I’VE SEEN THE WALL
LOUIS ARMSTRONG AUF TOUR IN DER DDR 1965
16.9.2023 – 4.2.2024
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Im Erdgeschoss stehen Louis Armstrong und seine legendäre Tour im Zentrum. Kunstwerke und dokumentarisches Material verweben sich und zeichnen ein komplexes Bild von Armstrong privat und auf der Bühne. Louis Armstrong sitzt bei der Pressekonferenz in Ost-Berlin wortwörtlich zwischen den Stühlen: zwischen zwei weißen Männern in schwarzen Anzügen, zwischen politischen Systemen, zwischen Übersetzungen in verschiedenen Richtungen. Er sitzt da, zwischen heute und morgen, zwischen Pressekonferenz und Konzert, zwischen Journalisten und Publikum. Einem Publikum, das hungrig nach dem Sound der Freiheit ist, den der Jazz verkörpert. Wenn er nach der Mauer gefragt wird, lenkt Armstrong schnell um zu seiner Musik und seinem Publikum. Seine Statements bewegen sich zwischen dem Gesagten und dem zu Spielenden am darauffolgenden Tag. Er hat immer beides im Blick und kehrt immer wieder zurück zu seiner Musik, seiner Trompete, seinem kommenden Auftritt. In einem neuen Video, das Worte und Musik aufeinanderprallen lässt, kombiniert Jason Moran die Filmausschnitte von der Pressekonferenz und dem Konzert in Ost-Berlin 1965 und offenbart so die Zwickmühle, in der Armstrong auf Tour steckte.

Im Obergeschoss geht es über die historische Tour hinaus um Fragen von Musikproduktion und -rezeption, Rassismus und Politik. Es sind Kunstwerke von den 1960er-Jahren bis in die Gegenwart versammelt. Die Musik ist Anlass, Referenz, Inspiration, Quelle, Metapher, Methode, Material oder auch Sujet der Kunst. Viele der gezeigten Werke spielen mit der Ab- und Anwesenheit von Sound. Ob Mundstücke oder Dämpfer, Plattenspieler oder Trompete: Potenzieller Sound ist zentral in I’ve Seen the Wall und eine Metapher für verschiedene Formen von Aktivismus. Was wird in der Gesellschaft verstärkt? Was wird gedämpft? Die Geschichte der Menschheit ist durchzogen von rassistischer Gewalt, die in vielen dieser Arbeiten reflektiert wird. Die hier ausgestellten Werke regen dazu an, über den Zusammenhang von Musik und Rassismus, damals wie heute, nachzudenken, denn »hinter der Bühne«, metaphorisch verstanden, spielt sich die eigentliche Realität ab.

In »Ellington and Armstrong (Ellington und Armstrong)« (ca. 1975) arbeitete der Collage-Künstler Romare Bearden (geb. 1911 in North Carolina, gest. 1988 in New York) mit Porträts zwei der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts: Duke Ellington und Louis Armstrong. In den 1960er-Jahren schlossen sich Bearden und Norman Lewis »Spiral« an, einem Kollektiv, das von Schwarzen Künstler:innen als Reaktion auf den Marsch auf Washington für Arbeit und Freiheit im August 1963 gegründet wurde. Beardens Collage stellt auf wunderbare Weise Armstrongs Fähigkeit dar, Tragödie und Komödie zu vereinen. (JM)

Beardens und Armstrongs Collagen werden direkt nebeneinander präsentiert. Eine von Armstrongs Arbeiten zeigt – genau wie die von Bearden – den Pianisten Duke Ellington mit Armstrong selbst (hier auf einem gemeinsamen Foto), während die zweite in den maskenartigen Gesichtern, die auf dem Papier erscheinen, eine Ähnlichkeit zu Beardens Collage aufweist. Louis Armstrong (geb. 1901 in New Orleans, gest. 1971 in New York) war nicht nur Musiker, sondern auch Collage-Künstler. Er schuf über 500 Collagen als Cover für sein wachsendes Archiv privater Aufnahmen. Diese – selten öffentlich gezeigten – Papierarbeiten sind von unschätzbarem Wert. In einem Brief an einen Freund schreibt er: »Mein Hobby ist es, aus allem, was ich lese, die verschiedenen Dinge herauszupicken und zusammenzufügen ... und eine eigene kleine Geschichte daraus zu machen.« Armstrong verwendete Zeitungsausschnitte, um neue Gedichte zu schaffen. Er besaß die Fähigkeit, die Essenz eines extravaganten Lebens in ein bescheidenes Quadrat zu fassen. (JM)

Wadada Leo Smith (geb. 1941 in Leland, Mississippi, lebt in New Haven) ist Trompeter und Komponist. In der Papierarbeit »Louis Armstrong Counterpointing (Louis Armstrong Kontrapunktierung)« (2016/17) verwendet der Künstler eine Sammlung von Symbolen, um eine grafische Partitur für Interpret:innen zu erstellen. Er sagt: »Kreative Künstler:innen nutzen die Farben und Symbole in einer symbolischen Kunstpartitur in ›Ankhrasmation‹, um einen Moment der musikalischen Inspiration hervorzurufen oder zu erreichen. Die Linien, Stacheln, Stängel und Lupen mit eingekreisten Bildmaterialien sollen von Performer:innen in musikalische Eigenschaften umgewandelt werden, genauso wie die Formen, Farben usw. Die speziellen beweglichen Symbole werden auch verwendet, um sich über die Oberfläche der Tafel zu bewegen und die Performer:innen bei ihren Performances von Objekt zu Objekt zu leiten.« (JM)

»Hinter der Bühne«, metaphorisch verstanden, spielt sich die eigentliche Realität ab, nicht auf der Bühne. Davon handelt Darol Olu Kaes (geb. 1984 in Los Angeles) eigens für die Ausstellung produzierter Film »The Spirit of a Thing (Der Geist einer Sache)« (2023), der Louis Armstrongs DDR-Tour nachspürt. Er imaginiert die Liebe zwischen Louis und Lucille Armstrong in den Räumen der Berliner Ostmoderne, beim Versuch, unterwegs ein Gefühl von Zuhause aufrechtzuerhalten. Der Künstler beschreibt sein Werk so: »Es ist ein Film, der sich mit den bescheidenen Spuren von Alltag im Tourleben eines Musikers auseinandersetzt, betrachtet durch die Brille der Erinnerungen. [...] [Er] berührt Themen wie Geschichte, Zeit, Erinnerung und das Verhältnis zwischen Wahrheit und innerer Erfahrung [...] [und] zeigt spekulative Beziehungen, die den Aufenthalt des Musikers in Deutschland strukturiert haben könnten: von intimen Momenten mit seiner Frau über Beisammensein mit seinen Bandkollegen nach Konzerten bis hin zum Kennenlernen seines deutschen Reisebegleiters, eines Jazz-Experten und Journalisten.« Die Stimme Armstrongs stammt von seinen privaten Tonbändern, die Musik von Jason Moran. (PM)

Jason Moran (geb. 1975 in Houston, Texas) kombiniert die Filmausschnitte von der Pressekonferenz und dem Konzert in Ost-Berlin 1965 zu einem neuen Video mit dem Titel »Louis Armstrong: On Stage / In Concert (Louis Armstrong: Auf der Bühne / Im Konzert)« (2023), das Worte und Musik aufeinanderprallen lässt und so die Zwickmühle offenbart, in der Louis Armstrong auf Tour steckte. Armstrong sitzt bei der Pressekonferenz in Ost-Berlin wortwörtlich zwischen den Stühlen: zwischen zwei weißen Männern in schwarzen Anzügen, zwischen politischen Systemen, zwischen Übersetzungen in verschiedenen Richtungen. Er sitzt zudem zwischen Pressekonferenz und Konzert, zwischen Journalisten und Publikum. Einem Publikum, das hungrig nach dem Sound der Freiheit ist, den der Jazz verkörpert. Wenn er nach der Mauer gefragt wird, lenkt Armstrong schnell um zu seiner Musik und seinem Publikum. Seine Statements bewegen sich zwischen dem eben Gesagten und dem zu Spielenden am darauffolgenden Tag. (PM)

»My Calling (Card) #3 (Reactive Guerilla Performance for Disputed Territorial Skirmishes)« (2012) von Adrian Piper (geb. 1948 in New York) begrüßt die Besucher:innen der Ausstellung im Obergeschoss mit einer klaren Botschaft: Auf der einen Seite der Karte steht auf Deutsch die Anweisung: »Fassen Sie mich nicht an«. Auf der Rückseite steht: »Do not touch, tap, pat, stroke, prod, pinch, poke, grope or grab me« (»Mich nicht anfassen, antippen, tätscheln, streicheln, stoßen, kneifen, stupsen, befummeln oder angrabschen«). Jason Moran weiß, was es heißt, als Musiker:in auf Tournee zu sein, und kommentierte dies: »Musiker brauchen vielleicht öfter eine Piper-Calling-Card, als gemeinhin angenommen wird«. (PM)

In der Neoninstallation »Untitled (Bruise/Blues) (Ohne Titel [Bluterguss/Blues])« (2014) von Glenn Ligon (geb. 1960 in New York) kommen Sprache, blaues Licht und Musik zusammen. Die Worte »bruise« und »blues« stehen weit auseinander und blinken lautlos im Rhythmus der Musikkomposition »Come Out« von Steve Reich aus dem Jahr 1966, die einen einzigen Satz wiederholt und variiert: »ich musste den Bluterguss [bruise] aufkratzen und etwas von dem Blues Blut [blues blood] herauslaufen lassen, um es ihnen zu zeigen.« Diesen Satz äußerte Daniel Hamm gegenüber der Polizei, nachdem er 1964 als Teil einer Gruppe Schwarzer Jugendlicher, der sogenannten Harlem Six, von Polizisten geschlagen und zu Unrecht verhaftet worden war. Der tragische Zwischenfall führte zu den Harlem Riots. Hamm berichtete, dass ihm unter dem Vorwand, er blute nicht offensichtlich, medizinische Hilfe verwehrt worden war. Hamms Verwechslung der Worte »blues« und »bruise« verwandelt Ligon im Rhythmus von Steve Reichs Komposition zu einer lautlosen »Blues-Symphonie«, die »die Häufigkeit von gefährdetem Schwarzem Leben« offenlegt, wie die Autorin Tina Campt im Katalog der Ausstellung treffend beschreibt. (PM)

Das »Blaulicht« von Glenn Ligons Neonskulptur leuchtet in den Raum von Lorna Simpsons (geb. 1960 in New York) Installation mit dem Titel »Hypothetical? (Hypothetisch?)«, die im Rahmen der Whitney Biennale 1992 entstand. Die Gewalttat, von der Glenn Ligons Werk handelt, liegt zu diesem Zeitpunkt 30 Jahre zurück und doch ist es tragischerweise wieder die Polizeigewalt, die »Hypothetical?« reflektiert. 165 Mundstücke sind »instrumentlos« direkt an der Wand angebracht. Zu hören ist der Klang menschlichen Atmens. Gegenüber zeigt eine Fotografie die verschlossenen Lippen einer Schwarzen Frau. Dazwischen hängt ein Ausschnitt eines Zeitungsartikels aus dem Jahr 1992 mit einem Zitat des Bürgermeisters von Los Angeles. Er wurde gefragt, ob er nach dem Freispruch von vier Beamten der Polizei, die wegen Gewalt gegen Afroamerikaner:innen angeklagt worden waren, als Schwarzer Mensch Angst hätte, wenn er nicht Bürgermeister wäre. Er konterte: »Nein, ich hätte keine Angst. Ich wäre wütend.« Tina Campt schreibt dazu im Ausstellungskatalog: »[…] im Zusammenspiel mit Ligons Installation stellt sich die Frage nach den Grenzen und Möglichkeiten Schwarzer Aussagen angesichts der anhaltenden Gewalt der weißen Vorherrschaft.« (PM)

Konzeptkunst aus der DDR: »Blue Blues (Blauer Blues)« und »Someday We Shall Overcome (Hommage à Martin Luther King) (Eines Tages werden wir überwinden [Hommage an Martin Luther King])« sind Schreibmaschinengrafiken aus den 1970er-Jahren von Ruth Wolf-Rehfeldt (geb. 1932 in Wurzen). Sie tippte, einem Mantra ähnlich, diesen einen Satz in Solidarität mit der Bürgerrechtsbewegung in den Vereinigten Staaten. Das Wort »someday« in der Mitte ist losgelöst vom Rest: Wann wird »someday« (eines Tages) endlich eintreten? Im Werk »Blue Blues« wird das Wort »Blue« vertikal Buchstabe für Buchstabe, Zeile für Zeile, getippt. Die Buchstaben scheinen herunterzutropfen wie Tränen auf die Papieroberfläche, um sich unten in pointierten Variationen zu sammeln: Blueness, Bluing, Bluebird, Bluish. Es geht eindeutig um Jazz, um Blues. Wolf-Rehfeldt erzählte in einem Interview, sie höre hauptsächlich Country und Blues, darunter auch Armstrong. Ähnlich wie Glenn Ligon arbeitet sie mit Sprache, verwandelt deren Einschränkungen in mächtige politische Statements. Ruth Wolf-Rehfeldt arbeitet wie eine Komponistin der Minimal Music mit Wiederholungen und exakten Verschiebungen. (PM)

Die Werke von Rosemarie Trockel (geb. 1952 in Schwerte) in »I’ve Seen the Wall« spielen mit der An- und Abwesenheit von Sound. In Trockels minimalistischer Plastik »Ohne Titel« (1991) werden Kochplatte und Häkelnadel zu einem Plattenspieler ohne Funktion. Es ist ein Spiel mit Form und Wörtern, das Trockel hier betreibt, denn in der Tat besteht ein Plattenspieler aus einer Platte, nur eben nicht zum Kochen, und einer Nadel, nur keiner zum Häkeln. Die Skulptur ist platziert vor einem Siebdruck der Künstlerin, der einem Häkelmuster oder einem Fangnetz ähnelt, das eine ca. 10 Meter lange Wand umfasst und den Titel »Prisoner of Yourself« (1998) trägt. Das sich wiederholende Muster in Königsblauer Farbe wurde mithilfe von extra angefertigten Sieben vor Ort im MINSK realisiert. Der Titel der Installation erinnert daran, dass Mauern auch oft im Inneren lauern: »Prisoner of Yourself« steht im Einklang mit der Erkenntnis, dass es nicht nur die eine Mauer gibt. Es gibt viele verschiedene Mauern auf dieser Welt, damals wie heute. (PM)

Das abstrakte Gemälde »No - 5 (Nr. – 5)« (1973) des Künstlers Norman Lewis (geb. 1909 in New York, gest. 1979 in New York) besteht aus tiefblauer Farbe mit hellgelben Linien auf schwarzem Hintergrund. Im Jahr 1992 erklärte er: »Ich habe nur Schwarz benutzt – um die Form zu vermitteln«, und er sagte weiter: »Ich wollte sehen, ob ich aus dem Schwarz die Andeutung anderer Farbnuancen herausholen kann, indem ich es so einsetze, dass es andere Farben hervorruft.« In der Ausstellung ist dieses schwarz-blaue Gemälde eine Anspielung auf Armstrongs »Black and Blue«, ein Lied, das dieser auf der DDR-Tournee wieder zu spielen anfing. Unmittelbar vor der Tournee, im März 1965 in Kopenhagen, erfuhr Armstrong von den Ereignissen am Bloody Sunday in Selma, Alabama. Er sagte der Presse: »Sie würden Jesus schlagen, wenn er Schwarz wäre und auf die Straße ginge.« Ein Zusammenhang zwischen diesen Ereignissen und der Wiederaufnahme des Liedes ins Repertoire erscheint plausibel. (JM)

Das Werk »Mauer« (2010) von Adrian Piper (geb. 1948 in New York) besteht aus aufeinander gestapelten Röhrenmonitoren, die Störungsbilder des amerikanischen Senders CBS zeigen sowie eine Live-Übertragung von den Hunderten von roten Rosen, die sich im Inneren des Werks befinden. Für die Kurator:innen der Ausstellung reflektiert die »Mauer« den Übergang zwischen West und Ost, Ost und West, und möglicherweise sogar den eigenen Weggang der Künstlerin von New York nach Berlin 5 Jahre zuvor. Jason Moran schrieb Piper: »Wenn ich an das Werk »Mauer« denke, denke ich an die Mauern, die Armstrong und seine Familie im Laufe ihres Lebens gesehen haben. Louis hat als Kind in New Orleans in den frühen 1900er-Jahren, später in den 1920ern in Chicago, dann in New York um die 1930er und in der Welt eine Menge Mauern zu spüren bekommen. Ich denke auch daran, wie er als der wahrscheinlich erste ›Popstar‹ die vierte Wand der Bühne aufgelöst hat. Er bleibt im Kontakt mit seinem Publikum.« (PM)

1972 waren in der VII. Kunstausstellung der DDR in Dresden Gemälde zu Ehren der Bürgerrechtsaktivistin Angela Davis ausgestellt. In diesem Zusammenhang war auch Willi Sittes (geb. 1921 in Kratzau, gest. 2013 in Halle) Werk »Angela Davis und ihr Richter« (1972) zu sehen, das Solidarität mit den Afroamerikaner: innen und Kritik am Klassenfeind USA vereint, der als Verkörperung von Imperialismus und Krieg dargestellt wird. Angela Davis wird in einem Tondo zur Heldin erhöht, einer Mariendarstellung ähnelnd, der Klassenfeind wird dagegen als martialisches, bedrohliches Wesen dargestellt. Ob im Hintergrund der singende Louis Armstrong zu sehen ist, ist nicht belegt. Nach Angela Davis’ Freispruch in den USA – sieben Jahre nach Armstrongs Tour durch die DDR – wurde sie offiziell eingeladen und feierlich in der DDR empfangen. Dem vorausgegangen war die Aktion »1 Million Rosen«, ein Aufruf an die Öffentlichkeit, Solidarität mit der Aktivistin zu zeigen, indem Postkarten mit roten Rosen an sie versendet wurden. (PM)

»Frühling Sommer Herbst Winter«, bekannt als »Nelken-Reihe«, ist ein Auszug vom Tanztheaterstück »Nelken« (1982) der Choreografin Pina Bausch (geb. 1940 in Solingen, gest. 2009 in Wuppertal), uraufgeführt, während die Mauer Deutschland teilte. Der Bühnenbildner Peter Pabst füllte die komplette Bühne mit Nelken – einer Blumensorte, die in der DDR stark verbreitet war und die auch Lucille Armstrong bei ihrer Ankunft am Flughafen in Ost-Berlin überreicht wurde. In Gebärdensprache führen die Tänzer:innen zum bahnbrechenden Sound von Louis Armstrongs »West End Blues« die vier Bewegungen für Frühling, Sommer, Herbst und Winter vor. Die Jahreszeiten wiederholen sich wie die Bewegungen der Performer:innen, stets im selben Tempo – kein Grund zur Eile, kein Grund zur Sorge: Es ist doch bloß ein Lebenskreis im Nelkenmeer. In »Frühling Sommer Herbst Winter« begegnen sich Louis Armstrong und Pina Bausch. Beiden scheinen die Grenzen der Sprache und die Grenzenlosigkeit von Musik und Tanz bewusst zu sein. (PM)

Terry Adkins (geb. 1953 in Washington, D.C., gest. 2014 in New York) arbeitete – ganz im Geiste der Jazzmusik und der Improvisation – häufig interdisziplinär und in Kollaborationen. Er wollte »einen Weg finden, Musik so körperlich zu machen, wie es eine Skulptur sein könnte, und eine Skulptur so ätherisch wie Musik.« Über »Divine Mute (Göttlicher Dämpfer)« (1998), das einen Dämpfer zeigt, schreibt Adkins: »Dies ist eine Skulptur über den Aufruf des Abolitionisten John Brown, die Nation von der Sklaverei zu befreien.« Im Jahr 1859, vor dem amerikanischen Bürgerkrieg, stiftete Brown einen Sklavenaufstand in Harpers Ferry, Virginia, an – wofür er später gefangen genommen und hingerichtet wurde. Adkins fährt fort: »[Die Skulptur] hat die Form einer Ankündigung, denn das Horn verkörpert die Ankündigung. Offenbarungen werden entweder von einem großen Klang oder einem sehr hellen Licht begleitet.« Armstrongs Offenbarungsmusik forderte Einheit und ein Ende der Unterdrückung. (JM)

Die Musik von Louis Armstrong inspirierte den Künstler und Saxofonisten Peter Brötzmann (geb. 1941 in Remscheid, gest. 2023 in Wuppertal) bereits als jungen Mann. Er suchte nach Wegen, wie sowohl Musik als auch Kunst den Diskurs befruchten und stören können. Brötzmann war Saxofonist, Maler, Bildhauer, Gärtner und Organisator. Mit seiner einzigartigen Mischung kultureller Materialien schuf er einen ganzen Kanon multidisziplinärer Arbeiten; und es ist diese Vermischung und Verbiegung der kulturellen Elemente, die Brötzmann so einzigartig macht. Seine Werke in »I’ve Seen the Wall« charakterisiert eine Intimität des Maßstabs. In »Soundcloud (Klangwolke) (1970er-Jahre) wird das Metall von der Wand geschoben, »Windmeter (Windmesser)« (1969) misst die Kraft, den Druck oder die Geschwindigkeit des Windes. Der Wind trägt Geräusche und Gerüche aus der Ferne heran. Armstrongs und Brötzmanns Zwerchfelle messen in jedem Moment die exakte Luftmenge, die für die Klangerzeugung nötig ist. In einem seiner letzten Interviews, das Brötzmann im Juni 2023 der »Zeit« gab, sprach er von Freiheit: »Freiheit ist etwas sehr Individuelles. Sie hat für Louis Armstrong genauso existiert wie für Don Cherry – nur eben als innere Einstellung, nicht als Programm.« (JM)

1952 erschien Ralph Ellisons Buch »The Invisible Man (Der unsichtbare Mann)«. Noch im selben Jahr arbeitete er mit seinem Freund, dem Fotografen Gordon Parks (geb. 1912 in Fort Scott, Kansas, gest. 2006 in New York), zusammen, um Szenen aus dem Roman in eine Serie von Fotografien für das Life Magazine zu übersetzen. Die Fotografie »Invisible Man Retreat, Harlem, New York (Rückzugsort des unsichtbaren Mannes, Harlem, New York)« (1952) zeigt den Unterschlupf, in den der namenlose Protagonist des Buches sich vor der Welt zurückzieht, die sich weigert, ihn wahrzunehmen. 1369 Glühbirnen erhellen den Raum – den Strom hierfür zapft er sich illegal ab –, während er Louis Armstrongs »(What Did I Do to Be So) Black and Blue« auf Vinyl-Platte spielt. Im Buch sagt er: »Vielleicht mag ich Louis Armstrong deshalb so gern, weil er aus Unsichtbarsein Poesie gemacht hat.« (PM)

Die Ausstellung wurde in enger Zusammenarbeit mit dem Louis Armstrong House Museum (LAHM) in Corona, Queens, New York erarbeitet. Besonderer Dank gilt der Louis Armstrong Educational Foundation.

Co-Kurator der Ausstellung ist der Jazzpianist, Komponist und bildende Künstler Jason Moran. Er kuratierte auch die Dauerausstellung im neuen Louis Armstrong Center des LAHM, die im Sommer 2023 eröffnet hat.

Begleitend zur Ausstellung im MINSK erscheint im Hatje Cantz Verlag ein Katalog mit Beiträgen von Tina M. Campt, Paola Malavassi und Jason Moran sowie ein vierteiliger Podcast, produziert von art/beats. Außerdem findet ein umfangreiches Begleitprogramm statt. Mehr Informationen unter www.dasminsk.de.

Dank an die Leihgeber:innen: Agentur DDR Fotoerbe, Billy Hodges Family Collection, Bundesarchiv, Collection of Emily Fisher Landau, Collection of the Adrian Piper Research Archive (APRA) Foundation Berlin, DC Moore Gallery, New York, Deutsche Fotothek, der Künstler Peter Brötzmann und Corbett vs. Dempsey, Chicago, der Künstler Darol Olu Kae, der Künstler Glenn Ligon und Regen Projects, Los Angeles, der Künstler Jason Moran, der Künstler Dan Perjovschi, der Künstler Wadada Leo Smith, Louis Armstrong House Museum, picture alliance, Pina Bausch Foundation, Privatsammlungen, Sammlung Berliner Verlag / Archiv, The George Economou Collection, The Gordon Parks Foundation.

[1] Pressekonferenz mit Louis Armstrong, ARD Video, 22:08 min, 19.3.1965, veröffentlicht von ARD Mediathek, https://www.ardmediathek. de/video/reportagen-und-berichte-des-fernsehfunks/pressekonferenzmit- louis-armstrong/ard/Y3JpZDovL2hyLW9ubGluZS8xMjg5NTA (Zugriff am 11.7.2023).

[2] Das Zitat tauchte zum ersten Mal in einer Hommage an Louis Armstrong in der Saturday Review am 4.7.1970 auf und wurde sofort in weiteren Artikeln aufgegriffen, die im selben Monat über Armstrong erschienen. Inzwischen reproduziert es sich viral und quellenlos im Internet und wurde in viele Sprachen übersetzt, erklärte Ricky Riccardi, Director of
Research Collections am Louis Armstrong House Museum (LAHM).